La piel que habito (España/2011, hablada en español) / Dirección: Pedro Almodóvar / Guión: Pedro Almodóvar, sobre la novela Tarantula, de Thierry Jonquet / Fotografía: José Luis Alcaine / Edición: José Salcedo / Música: Alberto Iglesias / Diseño de producción: Antxon Gómez / Elenco: Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes, Jan Cornet, Roberto Álamo, Eduard Fernández / Distribuidora: Diamond Films / Duracion: 117 minutos / Calificación: Apta para mayores de 16 años con reservas

Pedro Almodóvar ha dicho que “hay procesos irreversibles, caminos sin retorno, viajes sólo de ida. Y esta película cuenta la historia de uno de estos procesos”. Es que para el director, la protagonista recorre involuntariamente uno de esos caminos y se convierte en una versión retorcida de La Metamorfosis de Franz Kafka y en un viaje sin retorno a la más oscura ¿esencia? del ser humano.

No hay momento de rélax en el itinerario. La última estación es sólo una vuelta de tuerca más hacia la sed de venganza. Una venganza teñida por un ego absoluto y un debate sempiterno sobre el hombre que juega a ser Dios.  En el medio, temas tan actuales como los que arroja la Bioética o la identidad de género, la cinta tiene para cortar horas de buen diálogo entre amigos o páginas de un redactor entusiasta.

La sinopsis: un destacado cirujano plástico (el maravilloso, en esta película, Antonio Banderas) se obsesiona con encontrar una piel inmune al daño externo pero sensible a la vez. Pierde a su mujer que, espantada por sus quemaduras luego de un accidente de auto, se suicida. Finalmente concreta su proyecto con la ayuda de una sierva fiel (Marisa Paredes) y, claro, un conejillo de indias muy especial (Jan Cornet).

Los contrapuntos entre los personajes y las contradicciones de cada uno en sí mismo dan tela de corte para rato. La música de Alberto Iglesias acompaña con climas intensos y que no dejarán mucho espacio para la comodidad del espectador. No es una película cómoda y de hecho es eso lo que la hace una pieza de arte atrapante.

Algunos almodovarianos podrían decir que Pedro sin dudas ha dejado su “piel” en esta película. Es que por momentos agradecemos la presencia de momentos kitsch que descomprimen el drama. De a ratos pensamos qué tan espesa puede volverse la lucha y las actuaciones nos sumergen en un río de sentimientos encontrados y cornisas de moral dudosa.

La estética en general abunda en una imagen cuidada y aséptica, como la de los quirófanos. Por lo demás, con la belleza de Elena Anaya es difícil no entrar en el mundo interior y femenino de la identidad. Otro tema de la película, que ya lo hemos dicho, abunda en aristas para analizar.

Sobre José Luis Alcaine, el director de fotografía, Almodóvar dijo “no le expliqué lo que quería sino lo que no quería, y él ha sabido proporcionar a la foto la densidad, el brillo y la oscuridad que más le convenían”.

En cuanto a las actuaciones y en esto coincidirán francamente… qué bueno es saber aprovechar un actor como Antonio Banderas, afortunadamente Hollywood no terminó de corroer su fibra y sangre de intérprete, su madera de artista. Se luce, y los demás acompañan con precisión de reloj suizo.

Difícil atravesar todas las capas de una sola sentada. Es que el órgano más extenso que poseemos y el que nos protege, y nos delata, es la metáfora más tentadora que escogió Pedro para meternos en la epidermis que tal vez… no nos atrevemos a mirar.

ENTREVISTA A BRUNO GELBER
P: ¿Cómo influye el entorno familiar en la formación de un músico?
R: Nací en un hogar correcto para estudiar música porque todos eran músicos. Mi hermano también, el problema fue que ellos no querían tener un hijo músico. Yo desde que tenía 3 años lloraba al lado de mi madre para sentarme yo al piano hasta que finalmente se apiadó a los 3 años y medio, y empezó a darme clases. No hubo otra opción porque cuando yo quiero algo lo obtengo o me muero. Entonces a los 5 me hizo dar un concierto para ver si…porque como vos sabés no es solo necesario un talento para esto, sino varios. Hay que saber si uno se sostiene delante del público, si tiene capacidad para la memoria, si tiene presencia y todas esas cosas. Fue el único concierto en el que no tuve miedo. Estuve encantado, cuando me dijeron es tu turno salí y toqué lo más campante.
P: ¿Era como un juego en esa época?
R: No, para mí era serio. Porque yo había visto en el Colón dar conciertos, entonces salí, saludé, toqué como si fuera una persona adulta. Me encantó.
P: Llegar al éxito en cualquier disciplina exige sacrificios… ¿Qué resignaste a lo largo de los años por esta profesión?
R: Bueno, yo me he casado con esta profesión. Es decir he dejado todo. Para mí lo importante es ser digno de lo que hago. Yo me he casado con este sr. de cola negra y dientes blancos y ha sido así toda mi vida.
P: ¿Pero, algo puntual que te haya hecho decidir?
R: No, no, no, no, yo siempre seguí mi vocación, no tengo el menor recuerdo de existir sin haberla llevado adelante.
P: Si tuvieras que elegir una pieza para dar un último concierto, ¿cuál sería?
R: La sonata Hammerklavier de Beethoven.
P: 50 países, más de 5000 conciertos, ¿cuál fue el momento más emotivo?
R: Tocar delante de mi madre en el Carnegie Hall por ejemplo. Cuando debuté, que tenía 25 años, mi primer concierto en público, cuando tenía 10. Hay mucho. Llegar a Japón la primera vez. Haber dado tantas vueltas al mundo.
P: Vicenzo Scaramuzza: una anécdota.
R: Eh… Una vez estaba de muy mal humor, como siempre, y me retó. Me retó, injustamente. Yo estaba con mi madre y era chico aún. Me mira y me dice: “no llora”. Y no le di el gusto, lloré abajo en la calle pero no lloré delante de él.
P: ¿Quién es un referente de tus contemporáneos?
R: Martha Argerich.
P: ¿Qué te falta por tocar?
R: Ay… ¡Tanto! No alcanzan 3 o 4 vidas para tocar todo lo que quisiera tocar. (Piensa unos 40 segundos) puede ser la sonata Hammerklavier.
P: Ah, mirá vos ya tenemos concierto final con programa y todo.

Generar suspenso es un arte. Como tal contiene siempre una cuota de seducción, en el caso del cine, dirigida al espectador. Cuando el estado de incertidumbre se desvela desde el inicio y conocemos al atacante-asesino-hostigador la fuerza debe surgir indefectiblemente del relato.

“The Resident” (http://www.imdb.com/title/tt1334102/ ) construye un relato fuerte con una historia simple –no por ello menos retorcida- donde las actuaciones ocupan el primer plano y los momentos de clímax de tensión no precisan siquiera de música incidental.

Hilary Swank interpreta el papel de una joven médica, recién separada de su pareja, que alquila un atractivo y económico departamento. Por su parte, Jeffrey Dean Morgan (las románticas lo recordarán en su papel del irlandés enamorado de “PS: I  love you”, 2007) hace las veces de dueño del edificio y, claro, psicópata de la primera hora. La construcción de su personaje es notable y por momentos se llega a sentir el más profundo rechazo a su comportamiento. Si bien es elogiable la parte actoral hay que admitir que el guión en este punto no aporta nada original. Más bien explica casi de forma escolar, su trágico pasado familiar en el que su padre, posesivo y celoso, asesina a su madre.

Como es de esperar el objeto de su obsesión pasa a ser la bella Swank (atención público masculino con los planos detalle de las piernas de esta actriz) y casi consigue concretar el acto. En el medio del frenesí de conquista reaparece el ex de la inquilina y destraba la trama. El final deja con ganas… Como si se construyera un castillo de naipes durante una hora y media y en 30 segundos alguien sopla fuerte y sanseacabó.

Habrá que estar atentos a las producciones del director, Antti Jokinen, esta cinta fue la más importante en cuanto a  largometraje se refiere. Y promete hambre de más.

Más info: http://www.filmaffinity.com/es/film322706.html

NdelaR (((Comentario al margen antes de hablar de la cinta: hace mucho no tenía “piel de gallina” con alguna escena del género en los últimos años.  Con eso hemos ganado buena parte de los minutos-cine. )))

El tráiler adelanta que son los mismos creadores de Saw (El Juego del Miedo)  y Actividad Paranormal. Me dije –oscilamos entre las tripas o el tedio- Pues, ese fue un primer error. Nada hará que Ud. se duerma en la butaca. Desde las incorporaciones bizarras de dos ghostbusters y una médium un tanto ingenua sobre el final, hasta las puertas crujientes –clásicos de género- pasando por las espasmódicas apariciones inesperadas (algunas no tanto). Todo está impregnado de una estética en imagen y relato que introducen en la historia.

Un matrimonio y sus tres hijos se muda de hogar dos veces para descubrir que la causa de sus males se encuentra en uno de los pequeños. La trama se complejiza cuando descubren que el infante no está en coma sino que se encuentra en el “Más allá” luego de uno de sus “viajes astrales” (dixit movie). La posibilidad de abandonar el cuerpo y viajar con la conciencia ha sido abordada por la literatura, el cine y etc etc. Y no siempre de forma original. Tal vez en este punto pierde credibilidad y fuerza la construcción del verosímil y, por ende, del miedo.

De todas formas hay guiños a figuras clásicas del cine de terror en las almas que “asustan” e innovaciones que se observan hace un tiempo en esta categoría. El uso del humor como un elemento de distensión también se aprecia como un recurso válido y que se está usando con llamativa frecuencia. La música de  Joseph Bishara aporta notas de suspenso donde es debido y la tensión cuando se precisa.

En síntesis, una obra de James Wan que se impone para los amantes del suspenso aunque no es una perla en el desierto ni mucho menos el tesoro del perdido barco del suspenso.

The Box

Somos unos seres despreciables que depredaríamos a cualquier otro ser humano si no tuviéramos que lidiar con las consecuencias, léase: conciencias. Tal la tesis central de esta película y ya lo dijouna vez Thomas Hobbes, con precisión de reloj suizo “en estado de naturaleza el hombre vive una guerra de todos contra todos, el hombre es un lobo para el hombre”.

Entonces, si la única diferencia la tienen la “conciencia” y los “sentimientos” hasta qué punto podemos confiar en el que está al lado. Y si creemos en él, ¿cuánto lo conocemos realmente?

La idea viene del cuento “Botón, Botón” de Richard Matheson, publicado por Playboy en los 70´s allá cuando hacían también periodismo además de curvas peligrosas. Sobre un concepto simple, la trama que elabora Richard Kelly para la pantalla grande se pone un poco más metafísica e incluye portales a otra dimensión, agentes loquitos de la NASA y efectos poco elaborados para la época.

Más allá de los traspiés la consigna es simple: recibe Ud. una caja de madera con un botón adentro, si lo presiona recibe Ud. 10 millones de dólares y, a su vez, una persona que Ud. no conoce muere. Así queda abierto el debate moral y la encrucijada de tomar una decisión, y lo que es peor, hacerse cargo. Claro que toda acción tiene consecuencias. Sólo que a veces, en este tipo de sociedad, -bien descripta por Kelly- no estamos del todo dispuestos a aceptarlas ¿O sí?

Más data: http://www.imdb.com/title/tt0362478/

Donnie Darko

Si dejamos de lado el plano temporal tangente, el sinnúmero de idas y vueltas en el plot y los delirios encantadores del cerebro de Kelly podemos disfrutar de un personaje que se mira al espejo, y a través de él. Observa la sociedad, estudia su hipocresía, exhibe sus contradicciones y desgarra sus miserias al punto de augurar un apocalíptico fin del mundo. Es que visto desde los ojos de este adolescente, uno empieza a interrogarse sobre la naturaleza del hombre, y el camino de degradación que imprimimos a nuestro paso. Autosatisfacción, individualismo, consumismo todo revuelve en una crítica al mundo tal cual se presenta para los distintos personajes. Juntos forman una paleta de opciones de caminos a elegir. ¿Nos rebelamos? ¿Conformamos? ¿Avenimos? ¿Aceptamos?

Película recomendable para un día con ganas de dejarse llevar y no apta para ansiosos. Pero recomedable al fin, en combo o tándem, como prefieran, se digieren mejor.

Más data: http://www.imdb.com/title/tt0246578/

“La vida es un cuento narrado por un idiota, lleno de sonido y furia que nada significa”. La idea se desprende de un verso de Macbeth, del inefable William Shakespeare. Y la idea la toma Woody Allen, uno de los mejores story-tellers del cine contemporáneo, para armar la trama de You will meet a tall dark stranger (Conocerás al hombre de tus sueños).

Con un puñado de actores excelentes, un narrador (muy allenesco) y un guión plagado de perlitas por línea Allen logra lo que consigue casi siempre en sus películas: contar una historia de la mejor forma posible. Luego estarán los que critiquen la solidez en contenidos, los lugares comunes y los finales esperables. Es que tal vez, a fin de cuentas, Shakespeare no estaba tan confundido y su definición de la vida bien puede aplicarse al cine. Y no estoy tratando a Woody de idiota. Dios me libre. Lo que trato de decir es que cada uno cree lo que necesita creer. Todos compramos eso que nuestra conciencia anhela conseguir y garantizar un poquito de paz mental. Porque si nada tiene correlación, nada  adquiere significado especial y la conexión con este mundo o con la gente empieza a ¿perder? Sentido.

            En este aspecto es maravillosa You will meet a tall dark stranger. Dos matrimonios muy diferentes llegan a la separación por diversas causas y finalmente la pareja que se reúne tiene poco de coherente en común. La vida nos pierde constantemente con su sonido y su furia. En el medio, la búsqueda de los significados que llenen ese vacío primigenio hace que las distancias crezcan y Woody sabe pintar distancias como Picasso hizo al Guernica, caótica y maravillosamente bien.

            No voy a ahondar en el argumento porque bien puedo recomendar esta obra para los amantes de las historias simples, y para los convencidos de que las casualidades pueden ser sólo eso: casuales.

Nota realizada hoy en Día al Medio con el trovador Rosarino, vuelve a encender la magia con su “amigo del alma” Lito Vitale en la Plaza Independencia. En el marco de los Festejos de Vendimia 2011 habla del nuevo “cuarteto” en donde incluye e su hijo Julián sobre el escenario.

El proceso inverso al de una mariposa es el que transita el personaje de Natalie Portman en El Cisne Negro. Hacía un tiempo no salía de una sala tan conforme con una película desde todas sus aristas.

Nominada a un Oscar como mejor Actriz por su papel, una bailarina de Ballet clásico que se somete a la más oscura de las transformaciones. Esas que liberan lo peor de la neurosis cuando decanta en obsesión y consume por dentro.

Vayamos desde la periferia, Darren Aronofsky, director de este filme, es el mismo de Réquiem para un sueño, Pi y El Luchador. Su cámara subjetiva, muchas veces en la nuca de la artista, exuda la tensión de un cuerpo que aspira frenéticamente a un único objetivo: la perfección. La banda de sonido (http://www.imdb.com/title/tt0947798/soundtrack) describe en paralelo los momentos álgidos de la cinta (es decir, casi el 99% del tempo).

A nivel técnico los planos detalles de las uñas sangrientas de los pies, la espalda sudada y malherida o las secuencias del exigido ballet se asemejan bastante al mundo de los bailarines en la vida real. El director buscó esta verosimilitud en todas las escenas y la misma Natalie confesó que hizo el mayor esfuerzo por parecer una bailarina de verdad. De hecho lo parece y en algunas escenas inclusive podemos ver al frágil cisne consumido por la incipiente ¿malicia? que se apodera  de ella.

Cuando la protagonista debe dejarse llevar, soltarse “let go” como le pide su maestro Vincent Cassel, en el rol de pedagogo- abusador de futuras estrellas en tutús, estalla el nudo del conflicto. Nina Sayers ha vivido toda su existencia bajo la mirada de una progenitora obsesionada con su propio fracaso y que la inculpa como causante fundamental. La frutilla de esta torta un tanto mórbida es la frustración/castración que Portman encarna de maravillas en la escena de la masturbación, hasta que ve a su propia madre; observándola.

La mente de Nina se hunde en laberintos cada vez más densos, inventándose una antagonista ideal: Mila Kunis; quien representa todo lo que ella quisiera ser pero no puede y  justamente lo que requieren de ella para el despegue de su carrera artística. Liberación, sensualidad y desequilibrio son la misma causa de su posible éxito, y también de su desesperación.

The only person standing in your way it´s you, le endilga Cassel a Portman y tiene toda la razón. Pero la perfección tomará un alto precio hacia el final del filme en una síntesis digna del mejor estilo shakesperiano llevado a la gran pantalla.

“Porque nuestro mundo no es el mismo que el de Otelo (…) No se pueden hacer tragedias sin estabilidad social. El mundo es estable ahora. Las gentes son felices; tienen cuanto desean, y no desean nunca lo que no pueden tener. Están a gusto; están seguras; nunca están enfermas; no tienen miedo a la muerte; viven en una absoluta ignorancia de la pasión y de la vejez.” A. Huxley, Un Mundo Feliz.

Un lúcido Aldous Huxley vislumbraba en 1932 una sociedad controlada y adormilada a manos de la ciencia y un estado tecnocrático. Un mundo de todo menos feliz dividía a los seres humanos en castas acondicionadas y organizadas por función y razón de ser. Nada escapa a una mátrix de comportamientos pre-fabricados, predecibles y seguros. Nada, claro, salvo las emociones. Allí se presenta el nudo central de la obra Biónica SRL. Con texto de William Prociuk y dirección de Ariel Blasco se disfraza de comedia con fuertes tintes de crítica social.

La llegada de una paciente parapléjica  dispuesta a revivir/resucitar convertida en bailarina y deportista conmociona el mundo de cuatro científicos sentimentalmente frustrados. Los picantes diálogos dejan espacio a la reflexión en cada parte del “tratamiento” del personaje de Miriam Caló. Ella se convierte en objeto-despersonalizado y blanco depositario de la inmadurez emocional de sus gestores. La lúdica fantasía de controlar emociones, sensaciones, errores, en síntesis el destino de la vida, aparece en tono de comedia desopilante con una pátina del humor más ácido.

Es que no existen garantías ni condiciones aseguradas, por eso la ironía juega un rol central en el estilo de la obra y el desarrollo de la trama. Si pudiéramos apagarnos y prendernos con un botón sería más simple no tomar responsabilidades y lanzarse sin red a la pasión, el amor y los remolinos de la conciencia: es decir todo lo que nos hace únicos, irrepetibles e inevitablemente humanos.    

Las actuaciones merecen un destaque especial y la dirección de actores sin dudas tiene que ver con la excelente performance de todos y cada uno, que convencen armónica e irrisoriamente sobre el escenario.

Ficha Técnica:

Elenco: Jerónimo Machín, Marcelo Ríos, Carlos Romero, Gustavo Torres y Claudia Racconto como Miriam Caló.

Coreografía: Cecilia Gil.

Realización de Cabeza: Sonia López

Escenografía: Diego de Souza.

Vestuario: Gabriela Panasiti.

Diseño de sonido: Fernando Veloso. 

Construcción de Utilería: Oreste Sacci.

Diseño Gráfico: Gabriel Novillo.

Asistencia de Dirección: Margarita Cubillos

Dirección: Ariel Blasco.   

Más Info:

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http://salaanafrank.blogspot.com/